Yann Stéphane Bisso, Reach, 2026Oil on linen, 30 x 50 cm
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Yann Stéphane Bisso, Back to back, collisions, 2026Oil on linen, 30 x 40 cm
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FR.
Pour cette édition d’Art Basel Paris 2026, la galerie exo exo présente un nouveau projet de l’artiste Yann Stephane Bisso, intitulé ‘La galerie de photos souvenirs’. Né en 1998 au Cameroun, Yann Stephane Bisso est diplômé d’un Master en arts visuels de la HEAD Genève. Il vit et travaille à Genève. À travers une pratique centrée sur les questions d’identité et de mémoire postcoloniale, il explore la construction de soi à la croisée des héritages camerounais et français, tissant ensemble souvenirs personnels, fiction et imaginaires collectifs. Dans ses peintures, le paysage constitue un espace à la fois symbolique et narratif. Ancrée dans la tradition picturale, cette forme lui permet d’interroger le déplacement, la notion d’appartenance et la possibilité d’inventer un monde à partir d’une identité fragmentée.
Ce nouveau projet prend sa source dans un souvenir simple : une photographie d’enfance prise dans un studio à Yaoundé. L’attention se déplace du portrait lui-même vers le décor peint qui l’entoure. Cette peinture murale artisanale, conçue comme simple fond photographique utilitaire, déclenche une réflexion fondamentale sur ce qui fait œuvre et sur les conditions de son émergence. Historiquement, les peintres de décors étaient considérés comme de simples exécutants, cantonnés à une fonction décorative plutôt qu’à une reconnaissance artistique. En réinvestissant ces images dans l’espace d’exposition, l’artiste interroge les critères qui déterminent la légitimité d’une œuvre et les frontières mouvantes entre production utilitaire et création artistique.
Le stand est conçu comme l’environnement immersif d’un studio photographique. Trois fonds peints structurent l’espace sur le mur du fond. Suspendus à des tiges métalliques fixées sur des structures carrées réalisées sur mesure, à la hauteur des parois du stand, puis déroulés jusqu’au sol, ils enveloppent l’espace et en redéfinissent les limites. Arrachés à leur contexte initial, ces décors ne sont plus de simples supports, mais des formes autonomes offertes au regard, susceptibles d’être contemplées pour elles-mêmes. Ce déplacement soulève des questions sur le statut de l’image : comment une peinture conçue dans un usage fonctionnel peut-elle acquérir une autre lecture selon le cadre dans lequel elle est présentée ?
En intervenant directement sur ces surfaces, l’artiste interroge la nature même de son geste, comme si l’intention seule pouvait requalifier l’image et en déplacer le statut. Il y peint des paysages ouverts où de vastes ciels se mêlent à des géographies inventées. Les horizons s’étendent jusqu’aux confins de la fiction, dans des espaces qui ne renvoient pas à un lieu précis mais à la possibilité même d’un lieu. Le ciel, motif récurrent de son travail, ne relève pas uniquement de la représentation : il devient une zone de passage qui semble se prolonger au-delà du cadre et poursuivre sa course au-delà des murs. Le grand format permet cette expansion et propose une nouvelle échelle d’expérience.
Les visiteurs circulent, traversent les fonds peints et ajustent leur position dans l’espace. Leurs corps participent à la perception et modifient la relation à l’image, qui n’est plus seulement regardée mais vécue. L’œuvre se construit à travers cette interaction, dans une proximité constante entre surface peinte et présence physique. L’objectif est de créer un moment immersif qui persiste dans la mémoire : une rencontre brève au cours de laquelle on entre dans le paysage comme on entrerait dans un studio, avec le sentiment qu’il pourrait se prolonger au-delà des limites de l’espace d’exposition.
Cette réflexion sur la transformation du statut de l’image s’inscrit dans une pratique plus large, marquée par les passages entre différents mondes et par une attention particulière portée aux seuils et aux transitions. Déjà centrale dans son travail, la notion de paysage n’est plus seulement représentée : elle devient un territoire d’expérience, un espace où prennent forme la perception et la mémoire.
Yann Stéphane Bisso, né en 1998 à Sangmélima, Cameroun. Vit et travaille à Genève.
Le travail de Yann Stéphane Bisso aborde l’identité diasporique selon un principe narratif de retrait. Ses images sont des propositions symboliques qui jouent avec ce qui pourrait exister autant qu'avec ce qui existe, ne livrant toujours que le minimum d'informations. S'inspirant de la tradition picturale du paysage, Yann Stéphane Bisso crée un univers onirique qui oscille entre mémoire et imagination, dans lequel apparaissent parfois des personnages. Dans son geste, il expose ses paysages moins pour les fixer que pour les soustraire à toute définition. C’est en effet le pouvoir raconté de l'œuvre qui l’intéresse, son récit plutôt que son discours, ce qu’il raconte plutôt que ce qu’il sait.
La simplicité apparente des peintures masque leur complexité. Plus l'image se donne avec évidence, plus elle cache la multiplicité des mondes qu'elle contient. Dans ce travail, les références s’imbriquent comme dans une mécanique de montage : les paysages de Richard Mayhew côtoient les mangas de Yûichi Yokoyama, The Slave Ship de Turner, l’engagement de l’artiste et curateur Goddy Leye et les recherches de déconstruction et de décolonisation des pratiques curatoriales.
Cette économie du visible engage une réflexion sur la construction de l'individu et ses interactions dans lesquelles se jouent les questions d'hybridation et d'effacement. En soustrayant ses paysages au regard, Yann Stéphane Bisso déplace les enjeux sociétaux en dehors du principe autoritaire de démonstration : sa peinture nous fait face tout en regardant ailleurs. Elle nous fuit indéfiniment, pour re définir son espace et son langage en dehors de ce que nous croyons savoir et pouvons posséder.
EN.
For this edition of Art Basel Paris 2026, gallery exo exo presents a new project by artist Yann Stephane Bisso, titled ‘La galerie de photos souvenirs’. Yann Stephane Bisso (1998, Cameroon) holds a Master’s degree in Visual Arts from HEAD, Genève. He lives and works in Genève. Through a practice focused on questions of identity and post-colonial memory, he explores the construction of the self between Cameroonian and French heritages, weaving together personal memories, fiction and collective imaginaries. In his paintings, landscape functions as a symbolic and narrative space. Rooted in the pictorial tradition, this form allows him to question displacement, the notion of home, and the possibility of inventing a world from a fragmented identity.
This new project originates in a simple memory: a childhood photograph taken in a studio in Yaoundé. Attention shifts away from the portrait itself toward the painted backdrop. This artisanal wall painting, conceived as a utilitarian photographic setting, triggers a fundamental reflection on what constitutes an artwork and the conditions of its emergence. Background painters were historically regarded as mere executors, confined to a decorative function rather than artistic recognition. By reinvesting these images within the exhibition space, he interrogates the criteria that determine the legitimacy of an artwork and the shifting boundaries between utilitarian production and artistic creation.
The booth is conceived as an immersive photographic studio environment. Three backdrops structure the space on the back wall. Suspended from steel rods hanging on custom squares as high as the walls and unrolled to the floor, they envelop the stand, redefine its limits. Removed from their initial context, the backdrops are no longer simple supports but autonomous forms offered to the gaze, capable of being contemplated in their own right. This displacement raises questions about the status of the image: how can a painting conceived for functional use acquire a different reading according to the framework in which it is presented?
By intervening directly on these surfaces, the artist questions the very nature of his gesture, as if intention alone could requalify the image and shift its status. He paints open landscapes where expansive skies mingle with invented geographies. Horizons stretch toward the edge of fiction, spaces that do not refer to a specific location but to the possibility of a location. The sky, a recurring motif, is not merely representation; it becomes a zone of passage that seems to extend beyond the frame and continue past the walls. The large format enables this expansion and proposes a new scale.
Visitors circulate, cross the backdrops, and adjust their positions. Their bodies participate in perception and modify the relationship to the image, which is not only seen but experienced. The artwork is constructed through this interaction and proximity between painted surface and physical presence. The aim is to create an immersive moment that persists, a brief encounter in which one enters the landscape as one would a studio, with the sensation that it might extend beyond the limits of the exhibition space.This reflection on the transformation of the image’s status aligns with his broader practice, marked by movements between different worlds and an attentiveness to thresholds and transitions. Landscape, already central to his work, is no longer solely represented: it becomes a territory of experience, a space where perception and memory take shape.
Yann Stéphane Bisso, born 1998 in Sangmélima, Cameroon. Lives and works in Geneva.
His work has been exhibited at Kunsthaus Glarus; Haus für Kunst Uri, Altdorf; Kunstmuseum, Luzern; Halle Nord, Geneva; Centre d’art contemporain, Geneva; One Gee in Fog, Geneva; Forde, Geneva; Hit, Geneva; Limbo, Geneva. He is the Laureate of the Simon I. Patiño Grant (2026), the Leenaards Foundation Grant (2025), the Kiefer Hablitzel Special Prize (2024) and the Helvetia Art Prize (2023).
His works are part of several public and institutional collections, including the Swiss National Bank Collection, the Helvetia Art Collection, the Art Fund of the Municipality of Plan-les-Ouates, the Swiss Post Art Collection and the Cantonal Contemporary Art Fund of Geneva.
Yann Stéphane Bisso’s practice approaches diasporic identity through a narrative principle of withdrawal. His images operate as symbolic propositions, engaging as much with what might exist as with what already does, while consistently offering only minimal information. Drawing on the pictorial tradition of landscape painting, Bisso constructs a dreamlike universe that oscillates between memory and imagination, occasionally inhabited by figures. Through his painterly gesture, he presents landscapes not in order to fix them in place, but rather to withdraw them from any definitive definition. What interests him is the work’s narrative power : its story rather than its discourse, what it tells rather than what it knows.
The apparent simplicity of these paintings conceals their complexity. The more self-evident the image appears, the more it conceals the multiplicity of worlds it holds within. Within this work, references fit together like the components of a montage mechanism : the landscapes of Richard Mayhew converse with the manga of Yûichi Yokoyama, Turner’s The Slave Ship, the artistic and curatorial commitment of Goddy Leye, and broader inquiries into the deconstruction and decolonization of curatorial practices.
This economy of visibility prompts a reflection on the construction of the individual and the interactions through which questions of hybridity and erasure unfold. By withdrawing his landscapes from the viewer’s grasp, Bisso displaces societal concerns beyond the authoritative logic of demonstration: his paintings confront us while looking elsewhere. They continually elude us, redefining their space and language beyond what we believe we know and what we are capable of possessing.